 |
 |
| Another photo slideshow by Smilebox |
Alexa Meade.
Alexa Meade nació el 3 de septiembre de 1986 en Washington, DC . Se graduó en 2009 en el Vassar College en Poughkeepsie, Nueva York con una licenciatura en ciencias políticas. Meade nunca ha asistido a la escuela de arte ni ha tomado alguna vez cursos avanzados de pintura. En agosto de 2008, Meade empezó a experimentar con la pintura de objetos no tradicionales. Después de 9 meses de experimentación, ella fue capaz de desarrollar un proceso de pintura en las personas y dio a conocer su "Invertir Trompe L'Oeil "instalación en octubre de 2009.
Filosofía
La idea original para el trabajo de Meade salió de su fascinación por la forma en que el sol lanza sombras en movimiento. Ella comenzó a experimentar con la pintura de sombras sobre personas que se desplazan, y descubrió que el efecto visual aún funcionaba, incluso si la gente se mudó de su fuente de luz original. El arte de Alexa Meade crea un cambio de percepción en la forma en que el espectador experimenta e interpreta las relaciones espaciales . Meade dijo una vez: "Yo pinto retratos de representación directa en la parte superior de las personas que me representan. Los modelos se transforman en formas de realización de la interpretación del artista de su esencia. Al ser capturado en la película, los vivos, respirando la gente debajo de la pintura desaparezca, a la sombra por las máscaras de sí mismos "
Meade también cree que "lo que se experimenta no siempre se puede interpretar a su valor nominal;. ver no es necesariamente creer"
Técnica
Meade se aplica pintura acrílica a las superficies de las personas , objetos y paredes de una pincelada amplia que imita la apariencia de pinceladas en una pintura en una técnica que se innovó . Su "enfoque de los retratos incluye la pintura de las caras y los cuerpos de sus modelos - la fabricación de sombras adicionales a través de los pómulos, o untando una capa gruesa de pintura encima de las cejas - luego de fotografiar". En Al Jazeera Inglés , Meade demostró su técnica como se pintó la materia para Blue Print. Ella describió el proceso como "un retrato de alguien en la parte superior de sí mismo". Cuando el tridimensional cuadro se ve en una de dos dimensiones la fotografía , que parece ser una pintura al óleo . La mayoría encuentran el efecto tan convincente que no se dan cuenta que la fotografía no es de una pintura, sino más bien de un directo de instalación . En una instalación de retrato de un hombre, Meade pintada sólo su parte superior del torso sobre un fondo rojo, dejando el resto de su cuerpo sin pintar para el espectador. Para difuminar aún más la línea entre la realidad y la ilusión , Meade "proyecta un vivo de vídeo de alimentación de su modelo pintado en un cuadro de imagen en la pared. Galería de los clientes interactuar con ambos, el hombre pintó sentado en la silla y la pintura de estar junto a él en el pared ".
Describe las fotografías de Meade como fotografías se encuentran en los registros de una vez de una ejecución, una sesión de retrato, y una reflexión sobre las tres y dos dimensiones los espacios de representación. Meade llama la atención a las expectativas de espacio de la representación en el plano de la imagen a través de desplazamientos en el medio: se presenta no sólo la fotografía y la pintura, como ejemplos de planos de imagen de dos dimensiones, sino que transforma los cuerpos pintados y objetos mediante la presentación de ellos como la cohabitación dentro de los tres dimensiones fotográfica el espacio.
Keira Rathbone
Parece que las máquinas de antaño con matices de los 50´s han pasado a ser solo historia, la verdad es que Keira Rathbone las ha puesto ´´inn´´ con ésta ternura de obra, ella hace que cada caracter en composición única tome un significado, para poder decir hoy en día que éstas máquinas que pensabamos que ya eran obsoletas, vuelven a ser parte de la moda de éste siglo.
Cristina Otero
Cristina Otero Pascual es una joven fotógrafa española (nacida en Pontevedra, Galicia, en 1995 y que vive en Madrid) emergente en las redes sociales y cuya fotografía desprende una gran fuerza visual y belleza, siendo algo oscura, melancólica y también alegre
Comenzó en la fotografía con 13 años, gracias a ver en la televisión el concurso “America’s Next Top Model”, con sus maquillajes extravagantes y un estilismo impecable. Le encantaron tanto las fotos que hacían que decidió que quería hacer lo mismo. Y así, sin querer, empezó a fotografiar. ¡Desde entonces siempre tiene la cámara al alcance de sus manos!
Trabaja siempre con luz natural, que es la más sencilla y bonita que hay. Suele hacer que impacten más las imágenes (retratos y cuerpos).
Realiza retrato y autorretrato.
JamesCochran
James Cochran (alias Jimmy. C), nacido el 4 de junio de 1973, es un artista australiano conocido por sus pinturas narrativas urbanas y por su estilo de pintura de goteo.
Aerosol Art y carrera temprana
En la década de 1980 a finales, Cochran ha contribuido al desarrollo de la escena del graffiti en Adelaida y llegó a pintar una serie de comisiones de murales en todo el sur de Australia. También coordinó una serie de proyectos artísticos comunitarios destinado a dar al arte del aerosol una mayor aceptación en la comunidad y para enseñar las técnicas de pintura a los adolescentes interesados como la forma de arte. En la década de 1990, adoptó el alias de Jimmy C y es bien conocido por sus murales de arte en aerosol y su trabajo en las comunidades urbanas y regionales en toda Australia.
Después de terminar su licenciatura en artes en 1997 y luego su Maestría en Artes Visuales en la Universidad de Australia del Sur en 2002, Cochran se hizo famoso por sus pinturas urbanas de narrativa realista, pintado en aceite, y, a menudo representa el sujeto humano marginado en el contexto de lo urbano del medio ambiente. A veces se utiliza alegorías religiosas o mitológicas para ilustrar la difícil situación existencial o espiritual del sujeto contemporáneo en la ciudad.
En 2004 expuso la serie puntillista aerosol, lo que llevó al desarrollo de las pinturas de goteo - urbanas y las representaciones figurativas construidos de manchas individuales de goteo de la pintura.
A través de numerosos viajes a Europa Cochran obtuvo una sensibilidad a la cultura de Francia y se fue a estudiar el idioma para convertirse en un hablante de francés con fluidez. En 2006 fue invitado por el escritor francés Antoine Pecquet y crítico de introducir sus obras al público francés. Una exposición que muestra un desarrollo de 10 años de trabajo de Cochran, tuvo lugar en Lille, en Tripostal, y siguió a París en el punto Ephémère. Durante la exposición en Lille, Cochran coordinó dos proyectos comunitarios de artes murales con jóvenes de Lille Sur y del barrio de Vaubain. Cochran vivió en París en 2006 y continuó pintando lienzos y paredes durante el período.
Cochran representa el Arte Contemporáneo Lindberg en Melbourne, donde expuso sus pinturas en 2008. En el mismo año fue seleccionado como finalista en el Premio Archibald de su retrato de Sydney diseñador de moda Akira Isogawa. En 2009, Cochran exhibe sus pinturas en Zhengzhou y Beijing en China, y en Melbourne en el arte contemporáneo Lindberg. En 2011 expone en Francia en la galería de Raison d'Arte en Lille, y las paredes de pinturas en Nueva York y Londres, donde vive actualmente.
Su web para que vean más obras de éste excelente artista ya que no sólo tiene la licenciatura en artes y es un excelente expositor del arte del puntillismo o graffiti de goteo sino que aparte es políglota y un excelente artista que abarca temas del medio ambiente para dar vida a las calles, su obra artística es considerada callejera y no solo porque en las fachadas y bardas de la misma es en dónde expone sino que usa su técnica como metodo de apoyo a grupos que intentan tener un acercamiento con éste arte del graffiti
Pete Fecteau
¿No puedes resolver el cubo de Rubik? No te preocupes, porque hay una manera mucho más fresco para utilizarlo! Pete Fecteau utilizada con licencia oficial de 4.242 cubos de Rubik para crear un mosaico del Dr. Martin Luther King Jr.
El proceso de construcción tomó un poco más de 40 horas. Cada cubo se ha "resuelto invertido" o torcida de tal forma que cada una de las caras de contiene nueve pegatinas en la imagen total, 38.178 pegatinas total. Mide 19 'x 8'6 "x 2.25" (5.8mx 2.6mx 5,7 cm) y pesa aproximadamente 1000 libras (454 kg).
Pete Fecteau es un diseñador de día. Asistió a Kendall College of Art & Design en Grand Rapids, Michigan y obtuvo su BFA en Digital Media Design en 2007. Después de graduarse de la universidad, Fecteau aceptó una posición como integrador de diseño en Spout.com. En 2009 Fecteau se ofreció a ayudar con el registro de votantes y de los artistas que ArtPrize (la más grande del mundo concurso de arte). Fecteau sabía que a él le gustaría competir en el concurso de 2010, pero fué a falta de encontrar un concepto competitivo. Durante el tiempo que trabajaba como voluntario, Fecteau fue a casa a dormir y tuvo un sueño donde él estaba usando el Cubo de Rubik para crear algo. Al despertar, Fecteau trabajo para documentar la idea para redondearla bien.
Es sorprendente como deuna pieza retro que ha perdurado en el mercado por varios años, ahora puedan sus partes ser usadas para la realización de una auténtica y original pieza de arte, aqui te dejo las imágenes para que te des una idea de los cálculos no sólo matemáticos que uso para darle significado a tal cubo, sino el cálculo cromático que empleo tan perfecto para darle suntuosidad a éste cuadro de Martin Luther Kingr Jr.
Fredo
Fredo es un joven artista Chileno cuya obra la basa absoluta y alucinantemente en tridimensionales dibujos a lápiz que parecen que están a punto de saltar de la página. Bueno, la mayoría de sus obras fueron presentadas a la espalda de Deviant Art en 2008 o 2007, incluso cuando tenía 16-17 años de edad.
Su verdadero nombre es en realidad Wladimir Inostroza, y su nombre artístico es Fredo.
Inspirado por los grandes maestros como, M.C. Escher, Rembrandt, Beksinski y Arcimboldo, Fredo ha desarrollado su propio estilo moderno. Algunos de sus dibujos en 3D le tomaron sólo 30 minutos en completarse, pero hay casos en que necesitaba un mes entero para lograr éste nivel de realismo, ya que también incorpora objetos reales en su trabajo.
El jóven y talentoso artista dice que la música es una parte integral de su proceso creativo, y llega a su mayor inspiración, pero a qué artista no nos inspira o una buena musa, un buen paisaje y por supuesto cafe acompañado primordialmente de una buena melodía.
Su verdadero nombre es en realidad Wladimir Inostroza, y su nombre artístico es Fredo.
Inspirado por los grandes maestros como, M.C. Escher, Rembrandt, Beksinski y Arcimboldo, Fredo ha desarrollado su propio estilo moderno. Algunos de sus dibujos en 3D le tomaron sólo 30 minutos en completarse, pero hay casos en que necesitaba un mes entero para lograr éste nivel de realismo, ya que también incorpora objetos reales en su trabajo.
El jóven y talentoso artista dice que la música es una parte integral de su proceso creativo, y llega a su mayor inspiración, pero a qué artista no nos inspira o una buena musa, un buen paisaje y por supuesto cafe acompañado primordialmente de una buena melodía.
Tyree Callahan
Con sede en Washington la artista Tyree Callahan transformado y antigua máquina de escribir Underwood Standard 1937 en un dispositivo funcional de la pintura que llama una máquina de escribir cromática. Lo hizo mediante la sustitución de las almohadillas de tinta de la máquina de escribir con almohadillas de pintura de colores y las letras con rotuladores de colores.
"Estoy súper emocionada por ello. La reacción a la pieza ha sido muy especial. Parece estar haciendo un montón de gente feliz y que ha comenzado algunas grandes discusiones sobre la traducción del arte en las palabras y las palabras en el arte. Y la gente con sinestesia parece que les gusta más ", dice Callahan.
Este es también su entrada a la competencia 2012 del Premio West. El premio se otorga a través de votación popular de este año, pero la votación se limita a los iPhones o iPods o iPads.
El trabajo de ésta mujer es deslumbrante si ya de por sí es un arte obtener una técnica perfecta para el buen funcionamiento de una máquina convencional, ahora imaginemos que cada tecla da una gama específica a la impresión de una bella obra de arte.
"Estoy súper emocionada por ello. La reacción a la pieza ha sido muy especial. Parece estar haciendo un montón de gente feliz y que ha comenzado algunas grandes discusiones sobre la traducción del arte en las palabras y las palabras en el arte. Y la gente con sinestesia parece que les gusta más ", dice Callahan.
Este es también su entrada a la competencia 2012 del Premio West. El premio se otorga a través de votación popular de este año, pero la votación se limita a los iPhones o iPods o iPads.
El trabajo de ésta mujer es deslumbrante si ya de por sí es un arte obtener una técnica perfecta para el buen funcionamiento de una máquina convencional, ahora imaginemos que cada tecla da una gama específica a la impresión de una bella obra de arte.
Shiho Enta
Shiho Enta
Ilustrador / Japón
Nací en la prefectura de Akita, en 1979. Me gradué de la Facultad de Educación y Cultura de la Universidad de Akita. Después de su graduación, trabajé como profesor durante tres años, y en 2005, me casé y me mudé a la prefectura de Saitama. Después de eso, empecé a tomar en la ilustración empleos poco a poco, y ahora estoy aquí. Di a luz a mi primer hijo en 2011. Somos una familia de cuatro con mi hijo de 14 años de edad, gato y mi marido.
Mi trabajo hasta ahora ha consistido principalmente de cubiertas de libros para los más grandes de parte, manga, ilustraciones y otros. También cubro un montón de géneros, desde la literatura común para libros infantiles y novelas ligeras.
Tengo la intención de publicar una colección de imágenes de Shinshokan próxima primavera.
.jpg)
Peter Root.
Para quiénes creen que tomar una caja de grapas y montar una maqueta con ellas, no lo es, definitivamente y aqui una breve semblanza de al obra de éste artista. En el vídeo se puede ver el titánico trabajo que supone colocar las cien mil grapas que ha usado el artista para montar esta ciudad de seis por tres metros, y que le han costado unas 40 horas situándolas para que el efecto sea el deseado. Para más mérito, no usa pegamento ni imanes ni nada, no me quiero imaginar el desastre que provocaría un tropezón o un efecto dominó involuntario.
De baja altura es un conjunto precario de miles de pilas exentas divididos en bloques para crear un mosaico de la ciudad. Al igual que una ciudad, las grapas están sujetos a los elementos, en una escala micro. El más leve movimiento o vibración y el efecto dominó tiraría en un santiamén ésta bella arquitectura.
The Birth of Low-Rise from Peter Root on Vimeo.
Suscribirse a:
Entradas
(
Atom
)