Richard Estes
Richard Estes (nacido el 14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) es un pintor estadounidense conocido por sus pinturas fotorrealistas.
Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en paisajes geométricos de ambientes urbanos en donde los automóviles, forma de vestir, carteles publicitarios y escaparates, representan el ambiente de la época.
Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús. También reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento foto-realista internacional de finales de los años sesenta, con artistas como Malcom Morley, Chuck Close y Duane Hanson.
Creo que el concepto popular de que el artista es una persona que tiene esta gran pasión y el entusiasmo y la emoción super. Él simplemente se lanza a esta gran obra maestra y se desploma de agotamiento cuando su acabado. En realidad no es así en absoluto. Por lo general es un proceso muy calculado, sostenido y lento por el cual se desarrolla algo. El efecto puede ser uno de espontaneidad, pero eso es parte del arte. Un actor puede hacer una obra de teatro en Broadway durante tres años. Cada noche él está expresando la misma emoción de la misma manera. Él ha desarrollado una técnica para transmitir esos sentimientos para que pueda obtener las ideas. O un músico puede no querer tocar esa música maldita en absoluto, sino que tiene una reserva y tiene que hacerlo. Creo que la verdadera prueba es planificar algo y ser capaz de llevarlo a cabo hasta el final. No es que usted es siempre entusiasta, es sólo que usted tiene que conseguir esta cosa. No se hace con las propias emociones, sino que se hace con la cabeza ".
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Winkler Noah
Concéntrese en Winkler + Noah , un par de fotógrafos reconocidos en todo el mundo. Con sede en Italia, sus imágenes revelan una hiper-realidad y tratando de dar un ambiente especial en sus fotos. Una selección de imágenes en la sección siguiente.
web
Victor Wang
Declaración del Artista
Mi camino por la vida ha sido aventurero, emocionante, y de ensueño. Mi experiencia de establecerse en los Estados Unidos en busca de mejores oportunidades ha sido a la vez desafiante y estimulante. Yo uso el rostro humano como vehículo para pintar las experiencias humanas - la preocupación y asombro, tristeza y placer - que reflejan la etapa emocional directamente ligada a mis experiencias de inmigración.
Crecí entre los campos de girasol en el norte de China. En mis años de infancia, he jugado bajo los girasoles amarillos brillantes, con mis hermanos todos los días. Revolución Cultural de China desempeñó un papel importante en mi vida. Durante ese tiempo, los girasoles se utilizaron como alegorías políticas para describir cómo los ciudadanos de China deberían seguir Mao quien representaba al sol, ya que los girasoles siguen los movimientos del sol. La gente finalmente inferirse el engaño de que este símbolo enmascarado. Después de graduarse de la escuela secundaria, me enviaron a un campo de trabajo en el país para "reeducación" durante la Revolución Cultural de China. Allí, fui objeto de trabajo agrícola agotadora. A menudo, he trabajado en los campos de maíz y girasol de sol a sol. Por lo tanto, para mí, girasoles evocan tanto la alegría personal y tristeza. Por lo tanto, para entregar mis sentimientos complejos, utilizo girasoles como una metáfora para connotar mis antecedentes y la etapa emocional.
Mi incorporación de collages de figuras de la dinastía Tang de China representa mi herencia china y es un recordatorio constante de dónde vengo. La textura y el sabor a tierra en la superficie del lienzo se inspiran en la textura de la tierra en la finca donde trabajaba en China.
Aunque a menudo me gano un gran placer en el proceso de la pintura, es más importante para desplegar expresivamente esos sentimientos dentro de mí mismo.
web
Eloy Morales
Reflexiones sobre pintura realista contemporánea a través de la obra de Eloy Morales. Prólogo del libro "Eloy Morales Dibujos-Pinturas 1996-2011". Noviembre de 2010.
Artista, contemporáneo y conscientemente pintor. Difícil mezcla para sobrellevar en la actualidad por las características que el mundo del arte presenta en general, y más con respecto a la pintura realista en particular. Es inevitable, para hablar de Eloy Morales, ubicar el realismo de hoy en día dentro de esa amalgama de soportes, lenguajes y tendencias que constituyen el mundo del arte actual, asunto que aborda él mismo en un magnífico y reciente autorretrato, "La pintura en mi cabeza", que refleja muy bien el sentir de su autor sobre estas cuestiones. Se trata de una obra absolutamente contemporánea tanto en su iconografía como en el concepto que subyace, es metafórica y aborda la problemática sobre el lugar de la pintura realista dentro del mundo del arte de hoy. Además tiene un tratamiento plástico rico y heterogéneo al que su autor, de manera consciente, no ha querido renunciar y que emplea con criterio para acotar significados y matizar sensaciones.
El realismo como lenguaje pictórico tiene una problemática agudizada por la velocidad y los parámetros que rigen la sociedad en que nos encontramos inmersos hoy en día, y es el de la superficialidad con que se le juzga. Parece que todo el mundo se da por satisfecho comprendiendo una imagen que se presenta aparentemente accesible y que no requiere una profundidad de contemplación como la presupuestada para otros medios tales como la fotografía, el vídeo o la instalación, donde la metáfora o el doble lenguaje se dan por supuestos. Incluso ante otros lenguajes dentro de la propia pintura, el espectador adopta una situación de humildad con respecto a la inteligibilidad de la obra a la que dedica un doble esfuerzo de apreciación. "Ante la pintura realista muchas veces se resbala por la superficie de lo representado sin pararse a captar la verdadera esencia de la obra." (Golucho).
Precisamente en el realismo contemporáneo, la realidad y la excelencia de dicha representación no deberían ser un fin en sí mismas, sino simples medios para expresar algo que las trasciende. Tal y como pasó con la pintura y el arte en la modernidad, cuando la aparición de la fotografía cambió la dirección hacia la representación fidedigna que la pintura había tenido durante siglos, la posmodernidad iniciada con el célebre urinario de Duchamp, eliminó la validez apriorística de lenguajes o medios expresivos dando absoluta libertad al artista. Libertad que sin embargo conlleva una responsabilidad de intencionalidad y reflexión que quizás antes no hubieran pesado tanto por el rol de los cánones estéticos como paradigmas de la legitimación.
La palabra transfigurar, que tan de moda puso el filósofo Arthur Danto refiriéndose al hecho de que el urinario de Duchamp o las Brillo Box de Andy Warhol fueran obras de arte y no objetos comunes, es el concepto al que nos estamos refiriendo cuando hablamos del realismo que más sentido tiene hoy en día. Aquél que utiliza la realidad para hablar de algo que está más allá de ella, aquél que utiliza lo representado como excusa para expresar algo distinto - "El arte hace visible lo invisible", Paul Klee - y donde la excelencia de dicha representación no es el fin de la obra salvo por la relación existente entre fondo y forma. Ya nos estemos refiriendo al realismo pictórico o de ready mades, no podemos perder de vista que hablamos de arte. Desgraciadamente ese “mundo del arte” que demandaba Arthur Danto como necesario para comprender por qué algo es o no una obra de arte refiriéndose a un marco teórico que nos ayude a poder discernirlo y valorarlo ha quedado degradado por intentos superficiales como la "Teoría institucional" de George Dickie, y sobre todo por el mercado y sus agentes tal y como expone Donald Thompson en su célebre "El tiburón de 12 millones de dólares", ensayo en el que deja tristemente claro cuáles son los mecanismos extra-artísticos que rigen el mundo del arte de hoy.
En el contexto de ese postmodernismo eternizado, de libertad artística y cambios permanentes, en el que nuevas tecnologías ofrecen nuevos medios sobre cuyas posibilidades expresivas se está experimentando continuamente como podemos comprobar en las principales ferias, y en el que dicta sus leyes, para bien y para mal, un mercado oligopolizado por unos pocos agentes que hacen y deshacen motivados más por intereses mercantilistas y marketinianos que por fundamentos artísticos, teóricos o filosóficos, es donde ese autorretrato al que me refería al principio alcanza el sentido para el que fue creado, y donde nos encontramos con su autor, un islote como tantos otros artistas, que nos presenta su particular forma de ver las cosas. Pero "La pintura en mi cabeza", en la que su autor se presenta conscientemente como pintor contemporáneo, no ha surgido de la nada. Eloy ha llegado a ella tras un proceso de evolución que comenzó hace más de quince años durante los cuales ha instaurado una manera de vivir el arte en el que las palabras duda, búsqueda, sinceridad y compromiso no resultan en absoluto gratuitas. http://www.eloymorales.es/
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Artista, contemporáneo y conscientemente pintor. Difícil mezcla para sobrellevar en la actualidad por las características que el mundo del arte presenta en general, y más con respecto a la pintura realista en particular. Es inevitable, para hablar de Eloy Morales, ubicar el realismo de hoy en día dentro de esa amalgama de soportes, lenguajes y tendencias que constituyen el mundo del arte actual, asunto que aborda él mismo en un magnífico y reciente autorretrato, "La pintura en mi cabeza", que refleja muy bien el sentir de su autor sobre estas cuestiones. Se trata de una obra absolutamente contemporánea tanto en su iconografía como en el concepto que subyace, es metafórica y aborda la problemática sobre el lugar de la pintura realista dentro del mundo del arte de hoy. Además tiene un tratamiento plástico rico y heterogéneo al que su autor, de manera consciente, no ha querido renunciar y que emplea con criterio para acotar significados y matizar sensaciones.
El realismo como lenguaje pictórico tiene una problemática agudizada por la velocidad y los parámetros que rigen la sociedad en que nos encontramos inmersos hoy en día, y es el de la superficialidad con que se le juzga. Parece que todo el mundo se da por satisfecho comprendiendo una imagen que se presenta aparentemente accesible y que no requiere una profundidad de contemplación como la presupuestada para otros medios tales como la fotografía, el vídeo o la instalación, donde la metáfora o el doble lenguaje se dan por supuestos. Incluso ante otros lenguajes dentro de la propia pintura, el espectador adopta una situación de humildad con respecto a la inteligibilidad de la obra a la que dedica un doble esfuerzo de apreciación. "Ante la pintura realista muchas veces se resbala por la superficie de lo representado sin pararse a captar la verdadera esencia de la obra." (Golucho).
Precisamente en el realismo contemporáneo, la realidad y la excelencia de dicha representación no deberían ser un fin en sí mismas, sino simples medios para expresar algo que las trasciende. Tal y como pasó con la pintura y el arte en la modernidad, cuando la aparición de la fotografía cambió la dirección hacia la representación fidedigna que la pintura había tenido durante siglos, la posmodernidad iniciada con el célebre urinario de Duchamp, eliminó la validez apriorística de lenguajes o medios expresivos dando absoluta libertad al artista. Libertad que sin embargo conlleva una responsabilidad de intencionalidad y reflexión que quizás antes no hubieran pesado tanto por el rol de los cánones estéticos como paradigmas de la legitimación.
La palabra transfigurar, que tan de moda puso el filósofo Arthur Danto refiriéndose al hecho de que el urinario de Duchamp o las Brillo Box de Andy Warhol fueran obras de arte y no objetos comunes, es el concepto al que nos estamos refiriendo cuando hablamos del realismo que más sentido tiene hoy en día. Aquél que utiliza la realidad para hablar de algo que está más allá de ella, aquél que utiliza lo representado como excusa para expresar algo distinto - "El arte hace visible lo invisible", Paul Klee - y donde la excelencia de dicha representación no es el fin de la obra salvo por la relación existente entre fondo y forma. Ya nos estemos refiriendo al realismo pictórico o de ready mades, no podemos perder de vista que hablamos de arte. Desgraciadamente ese “mundo del arte” que demandaba Arthur Danto como necesario para comprender por qué algo es o no una obra de arte refiriéndose a un marco teórico que nos ayude a poder discernirlo y valorarlo ha quedado degradado por intentos superficiales como la "Teoría institucional" de George Dickie, y sobre todo por el mercado y sus agentes tal y como expone Donald Thompson en su célebre "El tiburón de 12 millones de dólares", ensayo en el que deja tristemente claro cuáles son los mecanismos extra-artísticos que rigen el mundo del arte de hoy.
En el contexto de ese postmodernismo eternizado, de libertad artística y cambios permanentes, en el que nuevas tecnologías ofrecen nuevos medios sobre cuyas posibilidades expresivas se está experimentando continuamente como podemos comprobar en las principales ferias, y en el que dicta sus leyes, para bien y para mal, un mercado oligopolizado por unos pocos agentes que hacen y deshacen motivados más por intereses mercantilistas y marketinianos que por fundamentos artísticos, teóricos o filosóficos, es donde ese autorretrato al que me refería al principio alcanza el sentido para el que fue creado, y donde nos encontramos con su autor, un islote como tantos otros artistas, que nos presenta su particular forma de ver las cosas. Pero "La pintura en mi cabeza", en la que su autor se presenta conscientemente como pintor contemporáneo, no ha surgido de la nada. Eloy ha llegado a ella tras un proceso de evolución que comenzó hace más de quince años durante los cuales ha instaurado una manera de vivir el arte en el que las palabras duda, búsqueda, sinceridad y compromiso no resultan en absoluto gratuitas. http://www.eloymorales.es/
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Laszlo Gulyas
"Nacido en 1960 en Budapest. Las Bellas Artes y Artes Aplicadas, se llevó a cabo la Escuela de departamento de diseño de la publicidad, y luego 1.983 hasta 1987 trabajó como la Academia de estudiante de Bellas Artes, obra reproducción szakon.A pintor padre lanza su impacto demasiado madura en la primera fila bajo el impacto universal de la pintura de Rembrandt de imagen personal mundo, el dominio de los grandes maestros antiguos técnica de la pintura. Es sólo que separa a la mayoría de sus contemporáneos. Él no estaba pintando la eliminación de la documentación agonía, pero la gran tradición de la supervivencia están interesados en. Particularmente su familia hizo la vida y la armonía llena de imágenes que muestran los principales valores de talentos emergentes. La cultura húngara siempre ha sido autenticada por el profesionalismo y la integridad, el respeto por las tradiciones y la elmélyültség. Gulyas Laszlo todo esto es típico. mundo Harsány, no sólo en el estilo artístico puede ser alentador, pero los temas profundos humánuma y amoroso medio en el que mostrar sus pinturas. La pureza infantil de espíritu una buena idea también enfrenta megráncosodott rama de un alegre payaso triste menudo se muestra. Retrato de las veces, la similitud externa de la individualidad cavar demasiado éxito, las capas más profundas del carácter is.Különös cualificado en el uso de efectos de luz y sombra, por lo cual capaces de hazañas. Además de la belleza escénica es el contrapunto consciente fría y colores cálidos, que sirve un reconocimiento cada vez mayor. Los colores armoniosos aparecen junto a una cultura de línea excepcional en el que las habilidades táctiles ".
Derek Gores
En sus retratos collage, Derek Gores recicla revistas, etiquetas, datos y materiales análogos y digitales encontrados variados para crear las obras sobre lienzo. La serie muestra los intereses contrastantes Gores 'en la belleza viva de la figura, la estética del diseño angular y abstracta de la moda, y un sentido audaz de juego. Sus lienzos de obras de arte se exhiben en galerías de Nueva York, Los Angeles, Chicago, Sydney, Colonia, Miami, Santa Fe y más. Clientes de diseño Gores 'incluyen Dwell Magazine, Lincoln Motor Co., ESPN, Lenny Kravitz, Lucasfilm, Kings of Leon, U2, Adidas, Madonna, Harley Davidson, Standard colectiva, la Liga Nacional de Fútbol, LiveNation, SEIU y mucho más.
La Escuela de Rhode Island de la vida de diseño de posgrado y trabaja en Melbourne, Florida, expositoras y curando a los advenedizos audaces allí, rodeado por el intelecto y la cultura de la Costa Espacial. Derek tuvo el honor de tener su obra seleccionada para la esperanza Manifiesto DC exposición coincidiendo con la inauguración presidencial en 2009, y en 2010 fue nombrado "Uno de los 40 artistas importantes del Nuevo Movimiento Contemporáneo", mientras que en una exposición en Londres.
"Me gusta que mis dibujos apenas se juntan con las burlas pequeños detalles. Algo así como la forma en que la mente no puede dejar de pasear, incluso cuando se trata de centrarse en una cosa. En los collages, algunas de las pequeñas cosas que utilizo son deliberados, pero en la mayoría confío en el azar para ayudar a construir un resultado final más interesante de lo que podría haber previsto. Un amigo lo llama una "narrativa Zen". "
Sus temas son simplemente figuras y objetos en un espacio, influidos por los héroes Gustav Klimt, Egon Schiele, Franz Kline, Rube Goldberg, Max Ernst, y, "esas grandes viejas fotos de larga exposición de Abraham Lincoln, donde se puede sentir toda la hora dentro de cada imagen. Me encanta esa quietud zumbido. me refiero a una belleza clásica, pero hecha de piezas en bruto y geométricas y un-diseñado. Mi asignatura real en las mujeres figurativos es el estudio de 'Feroz'. Fuerza, la honestidad, la vulnerabilidad- admirado con el máximo respeto. No estoy interesado en pesados, conscientes conceptos hago algo simple y dejar que los elementos se combinan en la cabeza, que reaccionan con cada historia que el espectador pone sobre la mesa. Cuando todo va bien, espero poder crear un experiencia real, en lugar de sólo una foto de una experiencia. Pero eso suena un poco demasiado grande ... realmente estoy siempre con la esperanza de que la sensación de tener los sentidos de un niño, donde todo es nuevo ".
http://derekgores.com/
La Escuela de Rhode Island de la vida de diseño de posgrado y trabaja en Melbourne, Florida, expositoras y curando a los advenedizos audaces allí, rodeado por el intelecto y la cultura de la Costa Espacial. Derek tuvo el honor de tener su obra seleccionada para la esperanza Manifiesto DC exposición coincidiendo con la inauguración presidencial en 2009, y en 2010 fue nombrado "Uno de los 40 artistas importantes del Nuevo Movimiento Contemporáneo", mientras que en una exposición en Londres.
"Me gusta que mis dibujos apenas se juntan con las burlas pequeños detalles. Algo así como la forma en que la mente no puede dejar de pasear, incluso cuando se trata de centrarse en una cosa. En los collages, algunas de las pequeñas cosas que utilizo son deliberados, pero en la mayoría confío en el azar para ayudar a construir un resultado final más interesante de lo que podría haber previsto. Un amigo lo llama una "narrativa Zen". "
Sus temas son simplemente figuras y objetos en un espacio, influidos por los héroes Gustav Klimt, Egon Schiele, Franz Kline, Rube Goldberg, Max Ernst, y, "esas grandes viejas fotos de larga exposición de Abraham Lincoln, donde se puede sentir toda la hora dentro de cada imagen. Me encanta esa quietud zumbido. me refiero a una belleza clásica, pero hecha de piezas en bruto y geométricas y un-diseñado. Mi asignatura real en las mujeres figurativos es el estudio de 'Feroz'. Fuerza, la honestidad, la vulnerabilidad- admirado con el máximo respeto. No estoy interesado en pesados, conscientes conceptos hago algo simple y dejar que los elementos se combinan en la cabeza, que reaccionan con cada historia que el espectador pone sobre la mesa. Cuando todo va bien, espero poder crear un experiencia real, en lugar de sólo una foto de una experiencia. Pero eso suena un poco demasiado grande ... realmente estoy siempre con la esperanza de que la sensación de tener los sentidos de un niño, donde todo es nuevo ".
http://derekgores.com/
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